Capture es una revista australiana que descargo —muy de vez en cuando— si encuentro interesante la portada. No por mala costumbre, sino porque casi siempre es más de lo mismo. Es una publicación especializada en fotografía profesional y emergente, más o menos reconocida como una de las principales plataformas editoriales del sector. Publica análisis técnicos, reseñas de equipos, guías prácticas y reportajes sobre tendencias internacionales. Cubre también concursos como The Capture Awards y Australasia’s Top Emerging Photographers. Combina cierto rigor profesional con la promoción de nuevos talentos, lo que a nivel regional, la convierte en un referente bastante consolidado para fotógrafos, educadores y agentes de la industria visual.

Su edición Summer 2025–26 —publicada en medio del invierno— recogió los resultados de The Capture Awards, cuyos ganadores, finalistas y Top 15 fueron anunciados en los primeros días del diciembre. El certamen abrió el 21 de abril de 2025 y cerró el 18 de septiembre . Los premios cubren seis categorías —Portrait & People, Landscape & Environment, Wedding & Event, Advertising & Fashion, Documentary & Street, y Art & Conceptual— y reconocen al menos un Winner y un Runner-Up por categoría, sumando 12 premiados principales, además de un amplio conjunto de finalistas destacados que integran los Top 15 de cada sección. Este número presentó íntegramente los resultados del certamen.

El editor indica que recibieron 1,400 imágenes, es decir, una participación amplia y competitiva, concluyente sobre la escala del concurso en esta edición.

La revista —algo que recién empieza a considerarse— reafirma su propósito de premiar trabajos fotográficos que provienen del mundo real, no de la manipulación digital. Postura que ha decidido sostener en un momento en que la IA y la postproducción automatizada revolucionan el medio.

Revisé las noventa fotos que obtuvieron reconocimientos. Con más cuidado los premios principales y no encontré nada interesante. Apenas una fotografía que me llamó la atención, en la categoría Art & Conceptual.

Quizás por su singularidad dentro del conjunto: una fotografía que reduce un cuerpo femenino a un par de piernas colgando de una estructura industrial. La identidad fragmentada, diluida en una pose absurda y teatral, que nos arrastra hasta un par de tacones chillones que condensan todo lo que previamente había mutilado.

No es una imagen amable, ni una duda razonable. ¿Puede un entorno rudo, casi hostil, anular el artificio del deseo? Al menos confunde y paraliza.

Sin mostrar el rostro ni buena parte del cuerpo, la figura adquiere un considerable poder narrativo. A falta de identidad, le sobra intención. Provoca ansiedad por completar la escena. Por imaginar lo que la llevó hasta allí, lo que espera del otro lado. ¿Cómo subo?

La fotografía se sostiene en un equilibrio cromático riguroso, casi impúdico. El rojo de los tacones destaca sobre su complementario de oficio, un verde ceremonioso. Inmediatamente un rosa donde se apoyan unas piernas tan sólidas como precarias, rematadas arriba por un azul autónomo. Estos espacios, sin profundidad, casi pictóricos hacen el guiño al pop desde lo conceptual. Todos los elementos de la imagen son comunes en extremo, y solo su manipulación los convierte en un signo donde la inquietud es apenas rozada por un humor sórdido.

Siempre busco el centro porque es lo que el autor enfoca. Los zapatos. Buscan la atención como un timbre de bicicleta. Emblemas de una feminidad codificada. Desnaturalizados cuando los confronta el espacio industrial, metálico, frio. Toda lectura como cuerpo está desnaturalizada. Sin lugar a dudas estamos en presencia de un accidente deliberado. ¿Qué ocurre cuando lo humano pasa a ser un objeto visual de peso similar a cualquier otra estructura? ¿Dónde perdimos el personaje? La anécdota nos lleva a proponer una vez más al cuerpo como superficie, como signo y como ficción.

La pieza se llama Strut, que en inglés puede entenderse como 'el gesto de caminar con demasiada seguridad', con un porte exagerado, con aire de superioridad. Pero también puede significar 'soporte estructural'.

¿Qué nos quiere decir Dane Beesley con este circo? ¿Algo profundo? ¿Querrá abrir un debate sobre el cuerpo significante, apoyándose en una composición estrambótica, de colores planos, casi serigráficos? ¿O es un sangrón, un chistoso al que le pasó in situ la imagen por la cabeza? ¿A lo Kabarettist?

No hay manera de saberlo con certeza. Pero las piernas con las que nos intenta seducir —porque la intención es clara—, generan una narrativa bastante más abierta que las piernas. Una que oscila entre la gracia, la extrañeza como Verfremdungseffekt y la puesta en escena. ¿Será un comentario sobre la construcción cultural del deseo, anulado por la violencia fría del metal, escrutado por un cielo sin nubes, por un azul insolente?

Demasiado teatro Dane.

Dane Beesley

De él se dice que: 'Es un fotógrafo australiano conocido por su trabajo en retrato, cultura urbana y música, así como por sus imágenes conceptuales que combinan espontaneidad, teatralidad y un uso expresivo del color. Su obra suele explorar la frontera entre lo documental y lo performativo, construyendo escenas donde lo cotidiano adquiere un matiz surreal, irónico o pop. Beesley ha fotografiado ampliamente la escena musical australiana, además de desarrollar proyectos artísticos que han sido reconocidos en publicaciones especializadas'